Taschen

  • Paris

    Collectif

    • Taschen
    • 18 August 2014

    -12 pages de calendrier.
    -12 illustrations.
    -Présenté dans une pochette.
    -Indique les jours féries du monde entier.

  • La monographie XXL à succès, maintenant disponible dans une édition condensée. Les reproductions exceptionnelles des peintures, dessins et croquis les plus importants de Basquiat, ainsi que les textes de l'éditeur Hans Werner Holzwarth et de la conservatrice et historienne de l'art Eleanor Nairne, nous permettent d'approcher plus intimement une légende synonyme du New York des années 1980.

  • Durant dix ans, Serra Pelada, la plus vaste mine d'or à ciel ouvert du monde où travaillaient près de 50.000 ouvriers dans des conditions terribles, fut synonyme d'Eldorado et d'espoir. Aujourd'hui, la ruée vers l'or au Brésil demeure une simple légende, ravivée par quelques souvenirs heureux, de nombreux tourments, et les clichés de Sebastião Salgado. Ce recueil offre un document majeur de l'histoire moderne autant qu'un portfolio de photographies extraordinaires.

    Également disponible en Édition collector numérotée et signée et en Édition d'art.

  • Anglais David Hockney

    Hans Werner Holzwarth

    Cette édition spéciale qui marque le 40e anniversaire de TASCHEN retrace pour la première fois année après année la carrière et la vie de David Hockney. Du Londres des «swinging sixties» aux piscines de Californie, jusqu'aux immenses paysages de son Yorkshire natal, le dialogue entre ses oeuvres et divers textes biographiques dévoilent comment Hockney mène sa quête artistique et ce qui lui inspire son travail kaléidoscopique.

  • Antoni Gaudí a fusionné orientalisme, formes naturelles et nouveaux matériaux dans une esthétique «modernista» unique qui a fait de Barcelone une capitale mondiale de l'architecture. Illustré de photos inédites, de plans et de dessins de la main de Gaudí, enrichi d'annexes approfondies présentant toutes ses créations y compris ses meubles et ses projets inachevés, cet ouvrage nous entraîne dans l'univers fantasmatique du Catalan comme jamais.

  • Dérivée de la monographie XXL qui a vu TASCHEN entreprendre une étude photographique complète de l'oeuvre de l'artiste, cette édition compacte explore les 40 tableaux de Bruegel à travers des reproductions et des détails exceptionnels. Nous découvrons comment, en utilisant son propre langage pictural dans des scènes foisonnantes, Bruegel a su saisir le théâtre de la vie.

  • Avec sa vision révolutionnaire et libérée du corps nu et de la sexualité, Egon Schiele s'est inscrit avec force dans l'histoire de l'art au début du siècle dernier. Aujourd'hui encore, les femmes et les autoportraits des enfants terribles de l'époque moderne viennois ont un effet passionnant et audacieux. Ils ont tous été créés au cours de la dernière décennie de sa courte vie.

  • « Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège » - Sebastião Salgado.

    En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation : brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a « toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc » prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement.

    Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de huit ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. « Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse », fait remarquer Salgado. « Nous devons sauvegarder ce qui existe. » Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures.

    Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension ; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour.

    Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galápagos ; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud ; les alligators et les jaguars du Brésil ; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne ; le peuple Korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale ; les éleveurs de bétail nomades Dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra ; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka ; les déserts du Sahara ; le rio Negro et le rio Juruá en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa « lettre d'amour à la planète ».

    Contrairement à l'édition limitée, conçue comme un portfolio grand format zigzaguant autour de la planète, l'édition grand public présente une sélection différente de photographies organisées par zones géographiques en cinq chapitres: Aux confins du Sud, Sanctuaires, Afrique, Terres du Nord et Amazonie et Pantanal. Chacune à sa manière, l'édition d'art et l'édition grand public - toutes deux conçues et réalisées par Lélia Wanick Salgado - rendent hommage au projet GENESIS de Salgado, aussi grandiose qu'exceptionnel.

  • Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique.

    Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme.

    Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination.

  • Français Bacon

    Luigi Ficacci

    Largement autodidacte en tant qu'artiste, Francis Bacon (1909 1992) développa une capacité unique à transformer l'intériorité et les élans inconscients en formes figuratives dans des compositions intenses et confinées.

    Parvenu à une notoriété certaine après la Seconde Guerre mondiale, Bacon prit le corps humain comme sujet de prédilection, mais un sujet ravagé, déformé et démembré, traversé par des émotions intenses sous lesquelles il se tord et gémit de douleur. Ces membres qui fouettent l'air désespérément, ces vides béants et ces excroissances tumorales forment des portraits poignants, souvent grotesques qui sont autant des réflexions sur les épreuves et les traumatismes de la condition humaine que des études de caractère. Ces formes envoûtantes et terrifiantes furent aussi parmi les premières de l'histoire de l'art à représenter des thèmes ouvertement homosexuels.

    Ce livre est une introduction à l'oeuvre érotique, déstabilisant et inoubliable de Bacon, un corpus transformateur souvent imité, beaucoup analysé, mais surtout ressenti.

  • Français Matisse

    Volkmar Essers

    L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre.

    Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail.

    Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence.

  • Français Hiroshige

    Adèle Schlombs

    Utagawa Hiroshige (1797-1858) fut l'un des derniers artistes majeurs de la tradition de l'ukiyo-e. Signifiant littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un genre particulier de gravure sur bois, florissant entre les XVIIe etXIXe siècles. Elles représentaient aussi bien les lumières éclatantes et les attractions d'Edo (l'actuel Tokyo) que des paysages naturels spectaculaires.

    Les estampes d'Hiroshige sont devenues emblématiques de la vague de japonisme qui déferla sur l'Europe, définissant la représentation que l'Occident se faisait du Japon. Parce qu'elles pouvaient être reproduites à grande échelle, les ukiyo-e servaient souvent de motifs pour orner les éventails, les cartes de voeux ou les illustrations de livres. Elles ont influencé les impressionnistes, les post-impressionnistes et les artistes de l'Art nouveau, ainsi que Vincent van Gogh et James McNeill Whistler, tous deux particulièrement inspirés par les paysages d'Hiroshige.

    Cette introduction offre des images clés tirées de la production haute en couleurs d'Hiroshige, avec ses cerisiers en fleurs, ses belles femmes, ses acteurs de kabuki et ses rues commerçantes pleines de vie, pour vous présenter une des grandes figures de l'histoire de l'art asiatique.

  • Hommage au «Raphaël des fleurs», Pierre-Joseph Redouté. Adapté de notre fameuse édition format XL, ce livre réunit certaines de ses plus belles gravures issues des remarquables ouvrages de Redouté, Roses, Liliacés et Choix des plus belles fleurs et de quelques branches des plus beaux fruits. D'un trait éblouissant de précision et de beauté, Redouté transporte le lecteur dans les sublimes serres et jardins d'un Paris disparu.

  • Depuis les années 1990, Sandro Vannini réalise des reproductions photographiques exhaustives révélant fresques et objets dans leurs moindres détails. Cet ouvrage, édité à l'occasion du centenaire de la première expédition de Howard Carter et d'une série d'expositions internationales, mêle une analyse contemporaine de l'au-delà dans l'Antiquité égyptienne et les somptueuses images en très haute résolution de Vannini pour éclairer le voyage que le pharaon aurait entrepris après sa mort.

  • Des albums légendaires ou sortis en catimini, d'Elvis Presley à Iron Maiden, découvrez les 750 pochettes de disque qui ont fait l'histoire du rock. Fiches descriptives, entretiens approfondis et sélections de disques établie par dix grands collectionneurs de rock nous guident à travers ces incroyables marqueurs de la mémoire musicale collective détaillés à travers des informations détaillées sur 250 disques emblématiques qui ont changé le cours de l'histoire, pour un groupe, un artiste ou un genre musical.

  • Français Basquiat

    Leonhard Emmerling

    Des rues de New York aux murs des galeries les plus en vue, suivez la carrière fulgurante, prolifique et politique de Jean-Michel Basquiat, figure culte de la critique sociale artistique. Cette introduction dévoile comment le jeune pionnier a puisé son inspiration dans des sources aussi variées que l'art grec, romain et africain, ou que la poésie française et le jazz, pour créer des images viscérales mêlant mots et couleurs vives.

  • Français Bosch

    Walter Bosing

    Visions méticuleuses du grotesque, de la débauche et du divin par Jérôme Bosch Aussi cryptiques qu'ils sont fascinants, les chefs-d'oeuvre de Jérôme Bosch (vers 1450-1516) restent parmi les énigmes les plus persistantes du monde de l'art. Leur contenu complexe, allégorique et souvent saisissant captive toujours non seulement les historiens d'art, mais aussi les créateurs de mode, les stars du rock, les écrivains et les punks, ainsi que d'innombrables artistes modernes et contemporains.

    Bien qu'enraciné dans la tradition des vieux Pays-Bas, Bosch développa un style résolument subjectif et richement suggestif pour rendre à la fois la béatitude céleste du paradis et les tortures d'un enfer grotesque, notamment dans son célébrissime Jardin des délices, exécuté avec tant de méticulosité. Ici, comme dans ses autres oeuvres les plus connues, il combine pieuse humilité et esprit acéré pour former un langage artistique unique, où se jouent des interprétations picturales de proverbes ou d'expressions de son époque.

    Ce livre lie ensemble les fils insaisissables de l'oeuvre de Bosch pour établir une introduction concise à un monde aussi envoûtant que captivant.

  • Français Schiele

    Reinhard Steiner

    Par son style graphique, ses figurations distordues et son mépris pour les canons conventionnels de la beauté, Egon Schiele (1890-1918) a été un pionnier de l'expressionnisme autrichien et un des peintres de portrait les plus surprenants du 20 e siècle.

    Avec Gustav Klimt pour mentor, Schiele s'est d'abord essayé à un style Art Nouveau étincelant avant de développer sa propre esthétique agressive, sans concession, faite de lignes acérées, de nuances intenses et de silhouettes expressives et distordues. Ses très nombreux portraits et autoportraits ont frappé l'establishment viennois par leur intensité psychologique et sexuelle sans précédent, privilégiant les poses érotiques, crues ou troublantes où ses modèles, tantôt squelettiques et maladifs, tantôt forts et sensuels, sont recroquevillés sur le sol, se languissent, les jambes écartées, lancent un regard noir au spectateur ou exhibent leur sexe au premier plan.

    Nombreux sont ses contemporains à avoir trouvé l'oeuvre de Schiele laide et immorale, ce qui a valu à l'artiste un court séjour en prison pour obscénité, en 1912. Aujourd'hui, on célèbre son oeuvre pour son approche révolutionnaire du corps humain et son talent pour le dessin, d'une intensité qui touche presque à la folie. Ce livre met en avant des oeuvres clé de Schiele pour présenter sa carrière aussi fascinante que fulgurante et sa profonde contribution au développement de l'art moderne qui touche encore des talents d'aujourd'hui, comme Tracey Emin ou Jenny Saville.

  • Français Monet

    Christoph Heinrich

    Surnommé le « Prince des Impressionnistes », Claude Monet (1840-1926) bouleverse les attentes à l'égard de la peinture sur toile. Défiant des conventions vieilles de plusieurs siècles, Monet ne cherchait pas seulement à rendre compte de la réalité, mais de l'acte de perception en lui-même. Installé en plein air, à coups de brosse rapides et impétueux, il explora la manière dont les jeux de lumière modifiaient les teintes, les motifs, les contours, et dont ces impressions visuelles étaient perçues par l'oeil.

    L'intérêt de Monet pour cet espace « entre le sujet et l'artiste » englobe la nature éphémère de chaque image que nous voyons. Qu'il s'agisse de sa célèbre série des nymphéas, de ses peupliers, de ses meules de foin ou de sa cathédrale de Rouen, il revient aux mêmes sujets au fil des saisons, des variations météorologiques, à différentes heures de la journée, pour saisir la mutabilité constante de notre environnement visuel.

    Ce livre présente l'essence d'un artiste dont l'oeuvre, réflexion simultanée sur la raison d'être d'un tableau et sur le temps qui passe, a irrévocablement transformé l'histoire de l'art.

  • Français Klimt

    Gilles Néret

    La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.

    Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.

    Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise.

    Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.

  • Français Gaudi

    Peter Gössel

    Qu'on admire l'imposante Sagrada Família, la façade scintillante et texturée de la Casa Batlló ou les paysages enchanteurs du Parc Güell, on comprend aisément qu'Antoni Gaudí (1852-1926) soit nommé l'« architecte de Dieu ». Avec ses formes fluides et sa précision mathématique, son oeuvre exalte le miracle de la création naturelle : des colonnes se dressent comme des troncs d'arbre, les cadres des fenêtres ondulent comme des branches chargées de bourgeons et les carreaux de céramique scintillent comme une peau écailleuse, reptilienne.

    Riche de l'attention exceptionnelle apportée aux détails naturels, l'inspiration qu'il puisa à la fois dans le style néo-gothique et dans l'esthétique orientaliste, et son engagement de longue haleine pour l'identité catalane, Gaudí représente un courant unique du mouvement Modernista qui transforma et définit encore le paysage urbain de Barcelone.

    Cet ouvrage explore l'extraordinaire vision et l'héritage unique de Gaudí, dont sept bâtiments sont inscrits au patrimoine mondial de l'humanité établi par l'UNESCO, à travers son influence et les détails qui font que ces édifices sont encore aujourd'hui, un siècle après leur création, sources d'admiration, de respect et d'inspiration.

  • Ses 871 oeuvres impeccablement reproduites et finement analysées.

    De nos jours, les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) sont parmi les plus célèbres et reconnues dans le monde. Ces peintures telles que les Tournesols, La Nuit étoilée ou l'Autoportrait à l'oreille bandée révèlent un artiste à l'habileté unique pour figurer les matières et ambiances, la lumière et les lieux.
    Pourtant, van Gogh s'est battu toute sa vie contre le désintérêt de ses contemporains, mais aussi contre des accès de folie dévastateurs. Ses épisodes de dépression et d'angoisse auront finalement raison de sa vie puisqu'il se suicida en 1890, à l'âge tout juste de 37 ans.
    Cette vaste étude de Vincent van Gogh offre le catalogue complet de ses 871 peintures, réunies aux côtés d'écrits et d'essais, qui retracent la vie et l'oeuvre d'un maître qui domine encore et toujours l'art.

  • Français Van Gogh

    Ingo F. Walther

    Aujourd'hui, les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) sont parmi les plus connues et les plus célébrées dans le monde. Les Tournesols, La Nuit étoilée ou l'Autoportrait à l'oreille bandée, parmi tant d'autres de ses peintures et dessins, laissent transparaître la dextérité unique de l'artiste à représenter les ambiances et les lieux par la peinture, le crayon, le fusain ou le pastel.

    Pourtant, alors qu'il déployait les couleurs vibrantes en touches expressives et les formes au contour délimité qui allaient faire sa renommée, van Gogh luttait contre le désintérêt de ses contemporains, mais aussi contre ses crises de folie. Ses épisodes de dépression et d'angoisse ont finalement eu raison de lui, puisqu'il se suicida en 1890, peu après son 37e anniversaire.

    Cette introduction richement illustrée retrace la vie de Vincent van Gogh: ses premières oeuvres figurant paysans et ouvriers agricoles, sa lumineuse période parisienne et son dernier sursaut créatif, plein de frénésie, durant les deux dernières années de sa vie qu'il passa dans le Sud de la France.

  • L'univers peint d'un maître flamand.
    Souvent imité, jamais égalé, Jan van Eyck (v. 1390-1441) a laissé son empreinte indélébile sur l'art de la Renaissance et ouvert la voie pour les peintres réalistes à venir. Par son extrême précision et son usage magistral de la couleur, Les Époux Arnolfini, qui représente le mariage d'un jeune couple, témoigne de la maîtrise du peintre néerlandais, figure de proue des primitifs flamands. Van Eyck a peint des scènes religieuses comme profanes en faisant ressortir leur naturalisme et leur réalisme par l'introduction subtile de la vie quotidienne du XVe siècle dans des cadres poétiques ou célestes. Travaillant à l'huile, il renouvela cette technique pour atteindre une grande intensité et parvenir à des nuances plus profondes.
    /> Retrouvez l'oeuvre impressionnant de cet artiste dans ce panorama en édition reliée, qui présente ses retables, ses tableaux de figures religieuses et ses portraits réalisés sur commande. Riche en agrandissements de détail et en analyses minutieuses de ses chefs-d'oeuvre, dont le retable de L'Adoration de l'Agneau mystique, cet ouvrage offre également une chronologie des productions de Van Eyck qui inclut celles de son atelier après sa mort.
    «Tant que Van Eyck est sur l'horizon, il y a des lueurs qui vont jusqu'aux confins du monde moderne, et c'est à ces lueurs que le monde moderne a l'air de s'éveiller, qu'il se reconnait et qu'il s'éclaire.» - Eugène Fromentin, 1876

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