Taschen

  • Bosch

    Walter Bosing

    Bien que profondément enraciné dans la vieille tradition néerlandaise, Bosch a développé un langage formel très personnel, extrêmement suggestif. Dans un mélange d'humilité religieuse et d'esprit satanique, il a illustré les joies du paradis tout comme les tortures diaboliquement inventives de l'enfer. Dans cet univers pictural qui fourmille de cauchemars surréalistes, l'imagination médiévale jette un dernier feu éclatant avant de s'éteindre pour céder la place à l'humanisme et au rationalisme moderne. Même si l'homme lui-même demeure un mystère, ce livre renoue les fils les plus ténus de l'ensemble de l'oeuvre de Bosch en une analyse cohérente et globale de sa production et de ses méthodes visionnaires.

  • Français Matisse

    Volkmar Essers

    L'art d'Henri Matisse: une harmonie de couleurs analogue à une composition musicale Henri Matisse (1869-1954), cofondateur et principal représentant du fauvisme, est l'un des plus grands peintres français du XXe siècle. Son travail reflète une quête permanente de l'expressivité des formes simples et des couleurs pures et brillantes, ce qui le conduit à reléguer souvent la représentation réaliste de la nature au second plan.

    Pour Matisse, la couleur n'est pas qu'un simple outil servant à exprimer des sentiments personnels ; elle est l'équivalent même de la lumière, le pur mode de création d'un espace pictural autonome. "Tous mes rapports de tons trouvés, il doit en résulter un accord de couleurs vivant, une harmonie analogue à celle d'une composition musicale." Artiste toujours créatif, Matisse ne s'est pas limité à la peinture, mais a expérimenté plusieurs modes de création: il a réalisé des vitraux et des décors de théâtre, produit des sculptures remarquables en bronze, en céramique ou en terre cuite. Cloué dans un fauteuil roulant à la fin de sa vie, il crée ses fameux découpages avec des gouaches colorées, de la colle et des ciseaux.

  • Egon Schiele (1890-1918) est, avec Oskar Kokoschka, le peintre qui a le plus longtemps dominé la scène artistique viennoise de son influence après la fin du grand règne de Klimt. Après avoir flirté avec le style de Klimt, Schiele commence rapidement à remettre en question l'orientation esthétique de l'Art Nouveau viennois raffiné à travers ses tableaux bruts et difficilement accessibles.

    De nombreux contemporains ont critiqué ses nus et autoportraits expressifs, aux mouvements étranges et aux couleurs morbides, les jugeant laids, voire immoraux, attaques qui ont culminé dans l'accusation d' "obscénité" dont Schiele fait l'objet et qui lui vaut en 1912 un court séjour en prison. Mais, quoi qu'il en soit, personne, pas même parmi ses détracteurs les plus virulents, n'a jamais remis en question son extraordinaire talent pour le dessin.

  • Le Portrait d'Arnolfini, représentant le mariage d'un jeune couple, est l'un des tableaux les plus célèbres du début de la Renaissance. D'une précision et avec une utilisation magistrale de la couleur sans précédents (jusqu'aux plus petit détails réfléchis dans le miroir à l'arrière-plan), la toile témoigne de la maîtrise du peintre flamand Jan van Eyck (1390-1441), figure de proue de l'école des Pays-Bas des débuts. Si l'on ne peut le considérer, comme beaucoup l'ont fait, comme l'inventeur de la peinture à l'huile, son utilisation de la technique fut particulièrement innovante, ouvrant les perspectives à une plus grande intensité des couleurs. Souvent imité, jamais égalé, van Eyck a laissé une empreinte indélébile sur l'art de la Renaissance et a ouvert la voie à beaucoup de peintres réalistes postérieurs.

  • Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Il a bouleversé la conception traditionnelle de l'art en la remplaçant par un concept qui efface la personnalité de l'artiste.

    Warhol portait un regard critique sur la société américaine, affichant le consumérisme de ses compatriotes dans ses tableaux (séries Campbell et Brillo), aussi bien que leur fascination pour les journaux à sensation. En 1963, Warhol fonda sa Factory dans une usine désaffectée de New York, une véritable usine d'oeuvres et d'idées qui influence le cinéma des années 1960, édite l'influent magasine Interview à la fin des années 1970 et produit également les oeuvres de Warhol lui-même: Warhol conçoit le projet et le confie à un "ouvrier" de son "usine" qui le réalise.

    Délibérément, ses oeuvres ne portaient aucune signature ce qui, paradoxalement, n'a en rien affaibli la réputation de Warhol. Un jour, il s'est plaint de ce que les riches New-Yorkais auraient volontiers accroché sa Chaise électrique dans leur salon, à condition que ses couleurs se marient bien avec le papier peint et les tentures.

  • Miro

    Janis Mink

    Le peintre Walter Erben a passé d'innombrables heures à discuter avec son ami Joan Miró (1893-1983) dans sa maison de Majorque en vue de ce livre. Au fil de ces conversations, Miró a confié à Erben de nombreuses et précieuses analyses personnelles sur son art, livrant sa propre interprétation de ses plus grandes oeuvres.

    C'est ainsi qu'est née cette rétrospective consacrée à Miró qui explore, à travers textes et images, la vie et l'oeuvre de l'un des peintres les plus marquants du XXe siècle.

  • Manet

    Gilles Néret

    Violemment critiqué de son vivant, à cause de ses tableaux soi-disant provocants, le peintre français Édouard Manet (1832-1883) est considéré aujourd'hui comme un acteur essentiel de l'histoire de la peinture. Son Déjeuner sur l'herbe demeure sans conteste l'une des images les plus marquantes du XIXe siècle.

  • Anglais Cézanne

    Ulrike Becks-Malorny

    Paul Cézanne (1839-1906): père fondateur de l'art moderne, grand maître qui a ouvert la voie menant de l'impressionnisme à la peinture du XXe siècle.

    À Paris, mais surtout en Provence, Cézanne a inlassablement cherché "une harmonie parallèle à la Nature", la débusquant dans des natures mortes de pommes, sous les traits de baigneurs ou dans les paysages réputés de sa montagne Sainte-Victoire bien-aimée.

    Cet ouvrage commente les plus grandes oeuvres de cet artiste extraordinaire, ainsi que ses théories sur la peinture et la couleur.

  • Influencé par ses contemporains Michel-Ange et Léonard de Vinci, Raphaël Santi (1483-1520) devient lui-même à son tour l'un des artistes majeurs de la Haute Renaissance. Si Raphaël a peint de nombreux tableaux importants durant sa période florentine, dont ses célèbres Madones, c'est surtout ses oeuvres plus tardives, à Rome, qui lui ont assuré sa place dans l'histoire, et plus particulièrement la Chambre de la Signature du Vatican qui présente ses fresques de L'École d'Athènes et du Triomphe de la Religion.

    Cet aperçu général retrace le parcours de ce maître de la Renaissance qui a réussi à atteindre les sommets de la gloire en vingt ans de création à peine et qui ouvre par son influence la voie aux mouvements maniériste et baroque.

  • Rembrandt Harmenszoon van Rjin (1606-1669) est un artiste aux multiples facettes, l'un des plus complexes du XVIIe siècle. De sa première période de Leyde à celles d'Amsterdam, les étapes de la carrière de Rembrandt reflètent l'évolution artistique et intellectuelle de son époque.

    Après avoir arrêté ses études à Leyde, le jeune Rembrandt fait son apprentissage de la peinture pendant deux ans avant d'ouvrir son propre atelier. Ses scènes bibliques comme La Résurrection de Lazare sont tout à fait caractéristiques de sa période de Leyde, mais on discerne dès ces premières années les racines de son art du portrait, nourri par d'intenses études de physionomie. Plus tard, à Amsterdam, il atteint une telle perfection dans la ressemblance de ses portraits qu'il gagne rapidement les faveurs de nombreux clients - avant de surpasser leurs attentes. Transcendant les modes traditionnels de représentation, Rembrandt compose ses portraits de la même manière qu'il construisait auparavant ses autres tableaux. On en trouve notamment l'exemple, dans le fameux portrait de groupe La Leçon d'anatomie du Dr. Nicolaes Tulp de 1632.

    Dans la dernière période de l'oeuvre de Rembrandt, alors que, accablé par des problèmes financiers, il vit à l'écart du monde, il n'est même plus possible de distinguer ses portraits de ses autres tableaux.

  • Edward Hopper (1882-1967) est considéré comme le premier peintre américain marquant de l'art du XXe siècle. Après des dizaines d'années d'un patient travail, Hopper a connu un succès populaire qui n'a cessé de croître depuis les années 50.

    Toile après toile, Hopper a peint la solitude des habitants des grandes villes. De nombreux tableaux d'Hopper représentent des vues de routes ou de rues, de toits d'immeubles ou de maisons abandonnées, baignés dans une lumière vive qui forme un contraste étrange avec l'atmosphère mélancolique émanant de ces scènes.

    Les tableaux d'Hopper sont marqués par la juxtaposition frappante des couleurs et par des contours très nets qui détachent en quelque sorte les personnages de ce qui les entoure. La façon dont Hopper se concentre très précisément sur le thème des hommes et des femmes modernes dans un environnement naturel ou artificiel confère souvent à ses images une impression d'inquiétude surnaturelle. Inversement, sa manière de traiter les paysages rocheux dans des tonalités brunes et chaleureuses ou de peindre des scènes du bord de mer laissent transparaître une tranquillité inhabituelle qui révèle une autre facette, plus optimiste, de sa personnalité.

  • Turner

    Michaël Bockemühl

    Présentation des oeuvres du peintre anglais tout en retraçant les grandes étapes de sa vie artistique.

  • Duchamp

    Janis Mink

    Marcel Duchamp (1887-1968) n'a peut-être pas inventé la roue, mais il a découvert le ready-made. Un porte-bouteilles n'est sans doute qu'un porte-bouteilles mais, signé Duchamp, c'est surtout l'une des oeuvres d'art les plus importantes du XXe siècle.

    Marcel Duchamp s'est à la fois révélé comme une énigme pour les historiens de l'art et une grande source d'inspiration pour les artistes. Cette étude s'attaque au mythe et révèle le charisme fascinant de Marcel Duchamp.

  • Français Kandinsky

    Hajo Düchting

    Wassily Kandinsky (1866-1944) est certainement l'un des artistes le plus important de la première moitié du Xxe siècle. A la fois peintre et théoricien, Kandisky va donner une nouvelle définition aux formes et aux couleurs.
    Si Kandinsky n'est pas le premier peintre abstrait, en revanche, il fut le premier à expérimenter les formes non figuratives composées dans un ordre logique et à conférer à la couleur une fonction expressive.

    ''Du spirituel dans l'art'' demeure un écrit important dans l'histoire de l'art contemporaine ; ses premières expositions quoique annoncées par ce texte firent l'objet de vives critiques.

  • Français Munch

    Ulrich Bischoff

    Pour Edvard Munch (1863-1944), la peinture était un acte de libération personnelle. Sa manière de mettre en scène l'angoisse, le désespoir et la mort produisent toujours le même choc visuel et psychologique sur les spectateurs d'aujourd'hui. De tous les tableaux de Munch, Le Cri (1893) qui représente un personnage bouleversé par une vision d'horreur, est, à cet égard, le plus célèbre et le plus expressif.

    L'artiste projette ses sentiments intimes dans son oeuvre: "En vérité, mon art est une confession spontanée, une tentative pour mieux comprendre mon propre rapport à la vie..." Bien qu'Edvard Munch ne puisse être clairement assimilé à un mouvement en particulier, il est considéré comme l'un des pionniers de l'expressionnisme.

  • Botticelli

    Barbara Deimling

    Forgotten immediately after his death, Sandro Botticelli (1444 - 45-1510) was rediscovered in the 19th century by the pre-Raphaelites and now ranks among the greatest Renaissance artists. This Spanish-language book pays tribute to his captivating figures of women, his intimate portrayals of the Madonna and Child, and the angelic beauty of his adolescents - famous the world over today.

  • Français Botero

    Mariana Hanstein

    Avec une ironie malicieuse et un style qui fait songer aux maîtres anciens, Fernando Botero (né en 1932) a commencé à peindre des animaux caricaturaux et des corps dodus aux têtes disproportionnées, à une époque où ses contemporains rejetaient énergiquement l'art figuratif en faveur de l'abstraction. Plus récemment, il s'est lancé dans la sculpture, réalisant de grands bronzes charmants représentant le même genre de sujets volumineux qu'il aimait tant peindre. Tout comme les romans de Gabriel García Márquez ou la musique d'Astor Piazzola, l'oeuvre de Botero est devenue emblématique de la culture latino-américaine.

  • Anglais Matisse ; cut-outs

    Gilles Néret

    À quatre-vingts ans, peintre et sculpteur accompli, Matisse se sert de la couleur comme un sculpteur se sert de la pierre. Son audace unique fascine le monde de l'art. Ses improvisations en rythme et en couleur, créées à partir de gouaches découpées ont marqué le sommet de son ambition artistique: une synthèse parfaite de la couleur et de la ligne.

  • Français Schindler

    James Steele

    "Chacun de mes bâtiments traite d'un problème architectural différent dont l'existence même est tombée dans l'oubli en cette période de mécanisation rationnelle. La question de savoir si une maison est réellement une maison m'importe davantage que de savoir si elle est faite d'acier, de verre, de mastic ou de vapeur." R. M. Schindler Originaire de Vienne, tout comme son collègue Richard Neutra, Rudolph Michael Schindler (1887-1953) a également émigré aux États-Unis où il a appliqué ses techniques du Style International au mouvement qui devient célèbre sous le nom de modernisme californien. Influencé par le travail de Frank Lloyd Wright et s'inspirant de la conception de l'espace des cubistes, il a développé un style personnel qui se caractérise par des formes géométriques, des lignes audacieuses et des alliance de matériaux, comme celle du bois et du béton, dont on peut voir des exemples dans sa propre maison à Hollywood (construite en 1921-22) ainsi que dans la maison conçue pour P. M. Lovell à Newport Beach (1923-24).

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