Du contrat social : ce " petit livre " est un grand livre, devenu canonique dans l'histoire des idées politiques. Comme tous les grands livres, il est difficile à lire parce qu'il faut retrouver en lui le mouvement d'instauration de la pensée. En cet essai, Rousseau se propose de construire non pas une " philosophie politique ", à l'instar de Hobbes qui se glorifiait d'en avoir inauguré la carrière, mais, sur la base normative du devoir-être, une " politique philosophique ". Son originalité est de proposer, loin de toute étude de " science politique " disséquant les rouages institutionnels de l'État, et indépendamment d'un programme politique à visée pragmatique, une théorie " pure " du droit politique dont le " contrat social " est le paradigme fondateur et le principe régulateur. Cette révolution épistémologique hardie réclamait une écriture exigeante et laborieuse. Les deux versions de l'ouvrage témoignent de l'effort fourni pour approfondir une pensée que sa lente interrogation oriente vers un normativisme critique. Emmanuel Kant - le meilleur lecteur de Rousseau - sut reconnaître dans le " contrat social " une idée rationnelle pure à vocation transcendantale.
« Je forme une entreprise qui neut jamais dexemple, et dont lexécution naura point dimitateur. » Ces lignes, les premières des Confessions, font de cette oeuvre, dans lesprit même de son auteur, un texte fondateur. Quels que soient les prédécesseurs quon peut lui assigner saint Augustin, Montaigne ou Cellini Jean- Jacques Rousseau est le créateur de lautobiographie moderne. À la fois plaidoyer, explication et acte daccusation, Les Confessions se donnent aussi pour un témoignage unique sur la nature humaine. Ici lhomme se met à nu, avoue ses contradictions et ses fautes, revoit son existence comme un parcours initiatique, sengage à labsolue sincérité. Dès leur parution, en 1782 et 1789, elles ont suscité indignation ou admiration. Tout au long du XIXe siècle, et jusquà nos jours, elles ont suscité dâpres débats, tout en inspirant lensemble de la littérature «personnelle », de Chateaubriand à Lamartine, de Stendhal à George Sand. Par le style comme par le propos, elles demeurent dune parfaite actualité. Rousseau nous a laissé la déposition à la fois la plus exaltante et la plus accablante sur lâme humaine. Il est toujours, comme disait François Mauriac, « lun de nous », et à chacun de nous ses Confessions continuent de tendre un miroir sublime, haïssable et brûlant.
Onze histoires étranges. Onze récits d'inceste et de folie, de désir et de cannibalisme, d'épouvante et d'amour : sous leur apparence d'enfantine simplicité, les contes attribués à Charles Perrault forment l'une des oeuvres les plus singulières de la littérature française. Célébrant la tradition des « mères et des mères-grands », ils manifestent l'existence d'une ancienne mémoire féminine, clandestine, combattue et occultée par la culture officielle du grand siècle. Aérolithes improbables, jaillis de nulle part dans la pureté du ciel classique, ces textes aux origines obscures recèlent encore bien des énigmes que la critique ne parvient pas à percer. On ne connaît précisément ni le nom de leur auteur, ni les sources exactes d'où ils sont tirés, ni la raison pour laquelle ils ont été composés. Ce halo de mystère explique l'intérêt que n'a jamais cessé de susciter cette oeuvre, dont la brièveté n'a d'égale que la prolifération des commentaires qui lui sont consacrés : les folkloristes, les psychanalystes et plus récemment les spécialistes de la littérature galante se sont ainsi emparé de ces onze récits pour tâcher d'en découvrir la clef.
À défaut de révéler le secret des contes, la présente édition met à disposition du lecteur tous les éléments du dossier. Elle propose en effet, pour la première fois, l'ensemble de leurs états textuels ;
Elle fournit aussi, en annexe, une version en prose de Peau d'Âne, des variantes populaires, et des témoignages d'époque inédits. Une introduction, des résumés et des notices permettent d'évaluer la dette de Perrault envers ses sources folkloriques et italiennes, mais aussi de prendre la mesure des enjeux contemporains qui sous-tendent les contes, oeuvre à jamais « moderne », en quelque sens qu'on veuille entendre ce terme.
Dernier volet inachevé de la trilogie des oeuvres autobiographiques de Rousseau, Les Rêveries du promeneur solitaire se définissent par leur titre même. Lauteur sy nomme comme dromomane et comme solitaire. Il nest plus le Citoyen, mais un homme abandonné de tous ses anciens amis dont il sest volontairement éloigné. Ses dix « Promenades » oscillent entre la quête dun bonheur permanent impossible et son imagination farouche qui lui fait voir une toile daraignée tissée pour le prendre au piège. De fait, ses « rêveries » sont des méditations qui se succèdent presque sans ordre, au jour le jour, dans un « informe journal » qui sinscrit comme un chef-doeuvre décriture.
Le premier roman de Gautier, Mademoiselle de Maupin, paraît à la fin de l'année 1835. Auréolé d'une réputation qui sent le soufre, accompagné d'une préface qui scandalise (et qui est restée aussi célèbre que celle de Cromwell ou celle de Pierre er Jean), il fascine et dérange. Il constitue, selon Baudelaire, un « véritable événement ». Les romantiques, les néo-classiques puis les défenseurs de l'art pour l'art le revendiquent tour à tour et, si l'on juge à sa nombreuse postérité fin de siècle, la Décadence aussi, qui y puise largement et en fait l'une des Bibles. Gautier ne s'intéresse que de très loin à la vie tumultueuse de la cantatrice qui lui a servi d'inspiration, Julie d'Aubigny, la véritable Mademoiselle Maupin (1670-1707), contrairement à ce que le titre laisse attendre. Son roman ne s'enferme dans aucun genre et bouscule joyeusement les catégories, en empruntant au roman par lettres, au poème lyrique aussi bien qu'au théâtre. Régi par une esthétique de la fantaisie, il privilégie les détours, l'arabesque, la confrontation des contraires, la sinuosité de la ligne et érige la féerie en modèle. L'histoire de la vraie Maupin n'est en fait qu'un point de départ, voire un prétexte : Gautier soulève avec Mademoiselle de Maupin des questions qui passionnent son temps, comme celles de l'identité du Poète, de sa place dans le monde, de son rapport à la création. Il y répond, en recourant au langage des mythes (celui de l'androgyne d'abord, mais aussi ceux de Pygmalion, de Narcisse et d'Ixion) et en prenant appui sur tout un ensemble de références, littéraires et picturales, extrêmement cohérent, avec une acuité, une finesse et une lucidité rarement égalée. Mademoiselle de Maupin peut être lu, à cet égard, comme un des premiers grands romans de l'artiste que le XIXe siècle a produits.
La première édition critique en France de cette oeuvre fondatrice du genre fantastique.
Oeuvre fondatrice du genre fantastique,
Le Diable amoureux n'avait pas encore connu d'édition critique en France. Pourtant, les publications du vivant de l'auteur présentaient de sensibles différences, importantes aussi bien sur un plan stylistique que pour l'interprétation du récit. Ce fait rendait à la fois nécessaire et intéressante la mise au net d'un texte fiable jusque dans ses détails (ainsi dans sa ponctuation, qui pouvait être source de mauvaises lectures) et accompagné de toutes ses variantes significatives. L'édition proposée ici s'est donc avant tout attachée à offrir la présentation textuelle la plus apte à favoriser l'approche du lecteur. En dehors de tout commentaire interprétatif, l'apparat critique accompagnant l'oeuvre dans sa fidèle littéralité se déploie sur trois niveaux, de façon à distinguer nettement les variantes textuelles, les termes du glossaire (plus nombreux qu'on ne l'imagine) dont le sens appelle une précision et les notes explicatives (histoire, géographie, moeurs, allusions littéraires...). L'ambition de cet établissement novateur d'un texte classique est donc de fournir l'ensemble des éléments utiles à sa compréhension, fonction essentielle de toute édition critique.
Romances sans paroles est probablement le recueil le plus célèbre aujourd'hui de Verlaine. Il a résulté d'une année de réflexion et de création (mai 1872-avril 1873), passée en grande partie en compagnie de Rimbaud, qui a été pour beaucoup dans ce tournant dans l'évolution poétique de Verlaine, par ses lectures qu'il lui a suggérées (Favart, Marceline Desbordes-Valmore), par des discussions sur la nature de la poésie dont on ne peut qu'imaginer la vivacité et par la vie turbulente qu'ils ont menée ensemble. Mais au moment d'envoyer le manuscrit de ces Romances, Verlaine ne pouvait prévoir qu'il serait en prison lors de leur parution et qu'il ne pourrait s'occuper des épreuves. Grâce à un imprimeur de province, qui ignorait la réputation sulfureuse du poète, l'ouvrage a été publié, mais avec une ponctuation souvent arbitraire et de nombreuses coquilles. La présente édition fournit pour la première fois des fac-similés de presque tous les manuscrits connus de poèmes du recueil. Ces manuscrits, qui laissent parfois entrevoir des aspects de la genèse des Romances, permettent des lectures qui s'écartent de celles fournies habituellement par les éditions. Ce volume contient une édition pluriversionnelle et un dossier critique comportant des analyses et des notes qui tentent d'éclairer la genèse et l'esthétique du recueil.
Edition critique établie sous la direction de Delphine Denis. Un siècle après l'Arcadia de Sannazar (1504), L'Astrée marque l'achèvement de la conquête de l'antique fable pastorale par les littératures européennes en langues vulgaires : paru entre 1607 et 1628, le roman d'Honoré d'Urfé est le dernier des grands chefs-d'oeuvre nourris de la veine des histoires de bergers. Mais la narration des amours de Céladon et Astrée dans la Gaule du Ve siècle inaugure aussi une nouvelle époque de la littérature française. Premier des grands récits publiés à l'époque où la France répare les plaies nées des guerres de Religion, l'oeuvre est très vite apparue comme une étape décisive dans l'art du roman, en même temps que, par sa philosophie de " l'honnête amitié ", elle s'est imposée à ses lecteurs comme une référence commune, offrant ainsi la mémoire littéraire des manières de sentir et d'aimer de l'âge classique. Le présent volume d'un ensemble appelé à compter cinq tomes constitue la première édition critique intégrale de L'Astrée : fondée sur un établissement scrupuleux du texte, elle est pour la première fois accompagnée d'un important appareil d'annotation.
Tristan L'Hermite, que ses tragédies ont rendu célèbre au XVIIe siècle, est l'un des premiers dramaturges à restaurer le genre, avec le succès de La Mariane en 1636. Ses cinq tragédies, sur des sujets historiques, puisent aux trois grandes sources d'inspiration de la tragédie française. L'inspiration romaine est représentée par La Mort de Sénèque, évocation d'une conspiration avortée contre Néron, où se détache la figure émouvante du philosophe stoïcien; et par La Mort de Chrispe, drame de l'épouse de Constantin, éprise de son beau-fils et provoquant sa mort, nouvelle Phèdre plus jalouse qu'incestueuse. A l'inspiration biblique se rattache La Mariane, où l'intérêt se porte moins sur la pathétique jeune femme que sur son époux, Hérode, tyran cruel et jaloux, mais épris de celle dont la mort le plongera dans la folie. L'inspiration orientale nous vaudra Panthée, pièce méconnue, où l'intérêt se partage entre le destin tragique de l'héroïne, qui cause la perte d'un époux aimé en le ralliant à Cyrus, et l'amour sans espoir d'Araspe, qui se suicide en apprenant sa mort; et Osman, sujet moderne, qui représente la fin héroïque du sultan, victime des janissaires révoltés, animés par la fille du muphti, qui se venge ainsi de ses dédains, mais ne lui survit pas. Ces cinq tragédies illustrent des thèmes chers à Tristan: l'impuissance de l'homme face à un destin aveugle, le pessimisme tempéré parfois par une espérance chrétienne (Mariane, Sénèque, Constantin); et la solitude de l'individu tragiquement incompris par les autres (Hérode, Araspe, Fauste, la fille du muphti).
Une version XIXe siècle du Nom de la rose d'Umberto Eco !
Ce roman se résume comme une série de récits enchâssés qui présente les itinéraires spirituel et philosophique de quatre générations de moines au cours d'un siècle. Spiridion est le fondateur d'un monastère vers 1690 ; il transmet un manuscrit à son disciple Fulgence, parchemin qui restera caché dans sa tombe. Celui-ci passe la main à Alexis qui trouve dans le novice Angel un fils de son intelligence'. Le roman finit avec l'arrivée des troupes napoléoniennes en Italie vers 1792. La quête de ces personnages est la même : rechercher la vérité religieuse et sociale, en faisant des lectures philosophiques et théologiques immenses à partir de la pensée grecque, et en étudiant particulièrement les auteurs jugés hérétiques par l'Église catholique. Pour eux cette dernière lecture représente le creuset de la vraie religion persécutée par le culte officiel. Selon Sand les hérésies sont la grande vitalité de l'idéal chrétien'.
Roman troublant et insolite, Spiridion a trouvé des lecteurs admiratifs hors pair, tels Renan, Taine, le sculpteur Théophile Bra, le dessinateur Gustave Doré et le romancier russe Dostoïevski. Aujourd'hui on le lit comme une profession de foi de toute une génération de romantiques.
En rappel, le Dictionnaire George Sand (9782380960143) est toujours disponible dans la même collection.
Publiés entre 1710 et 1712, Les Mille et un jours, contes persans, profitent sans nul doute du succès rencontré par les premiers volumes des Mille et une nuits. Comme les contes arabes traduits par Antoine Galland, les contes persans reposent sur des sources authentiques, d'origine turque pour la plupart, traduites par l'orientaliste François Pétis de la Croix. La Princesse de Cachemire, prévenue contre les hommes après un songe, refuse de se marier. Tous les matins, à l'heure du bain, sa nourrice, confiante dans le « pouvoir des fables », entend convaincre la jeune princesse de la fidélité du coeur des hommes. Il n'est pas certain qu'elle y parvienne et peut-être faudra-t-il que la Princesse vive elle-même son propre conte pour découvrir l'amour. Que l'éminent orientaliste ait peut-être eu recours à la plume de l'écrivain Alain.
René Lesage est alors une invitation supplémentaire à découvrir ce recueil encore trop méconnu : la « traduction » des contes s'insère dans un projet cohérent qui mêle sérieux et comique et invite le lecteur à une réflexion subtile et enjouée sur le pouvoir des récits. Les Mille et un jours, contes authentiques qu'il ne faut pas confondre avec les multiples « imitations » des contes arabes, méritent indéniablement de sortir de l'ombre des Nuits et de reconquérir leur place, une des premières, parmi les contes littéraires.
S'il ne fallait lire qu'un seul livre sur le théâtre, ce serait celui-ci ! Ouvrage à la fois d'analyse et de synthèse sur les questions dramatiques les plus débattues du Grand Siècle, La Pratique du Théâtre de l'abbé d'Aubignac transcende les réflexions propres à son époque pour interroger la spécificité de toute création dramatique.
Surgissent ainsi les problèmes concrets et pratiques que posent une scène trop étroite, un comédien mal entraîné ou un public dissipé. Apparaissent les contraintes transhistoriques de toute écriture mimétique qui doit compenser, par le recours au nécessaire, ce que le narrateur ne peut nous dire. Se posent enfin les questions inhérentes à la représentation, et au surgissement de la fiction à partir d'un spectacle et à partir d'un texte.
Cette surprenante modernité découle d'une attitude résolument rationaliste : La Pratique renouvelle la tradition des « poétiques », enfermées dans l'exégèse aristotélicienne, pour promouvoir une entreprise concrète où l'abstraction du traité se combine à une somme d'observations faites par un individu singulier.
La présente édition, la première depuis plus des soixante-dix ans, propose pour la première fois l'élucidation et la traduction de toutes les mentions marginales, permettant ainsi une étude précise de ces lieux de mémoire que sont l'Antiquité et la Renaissance italienne au coeur du XVIIe siècle français.
Une analyse critique tente enfin, en des Observations, de rendre à ce magnifique texte, trop souvent qualifié de doctrinaire, toute sa finesse et sa profondeur.
Les textes sont à l'origine de la querelle de l'Encyclopédie avec le Journal de Trévoux, tout comme le texte de la première édition du Discours préliminaire des éditeurs, n'avaient jamais fait l'objet d'une publication particulière.
Il revenait à l'auteur de D'Alembert et la mécanique de la vérité dans l'Encyclopédie, de combler ce vide éditorial. Le XVIIIe siècle français connaît, de 1749 à 1751, trois années cruciales au cours desquelles Diderot et d'Alembert élaborent la philosophie de l'Encyclopédie. Le présent volume distingue trois phases déterminantes dans la révolution du savoir pensée par les deux éditeurs : la querelle entre le Journal de Trévoux et Diderot, la parution du Discours préliminaire des éditeurs et les articles épistémologiques de d'Alembert.
Il ne fallait pas perdre de vue, à l'aube du XXIe siècle, alors que les scientifiques tant dans les sciences exactes que dans les sciences humaines, précisent les recherches sur l'esprit de l'homme, que la décision fondamentale de placer l'homme avant la nature a constitué un renversement du sens de l'humanisme en celui d'humanité. La nature appartient désormais à l'homme.
Demandée par Montaigne et entendue par Kant, la mise en place de ce point de vue ne se réalisa pas sans violence.
Le rapprochement et le déchirement entre la philosophie, la science et la religion témoignent d'une complicité ambiguë et fragile dont ces textes portent les marques.
Le 15 octobre 1685, la révocation de l'Édit de Nantes est signée à Fontainebleau par Louis XIV, mettant fin à une situation exceptionnelle en Europe : deux confessions religieuses cohabitant de droit, sous un même pouvoir politique.
En octobre 1686, Bayle fait paraître les deux premières parties du Commentaire philosophique sur les paroles de Jésus-Christ, Contrains-les d'entrer, où l'on prouve par plusieurs raisons démonstratives, qu'il n'y a rien de plus abominable que de faire des conversions par la contrainte : et où l'on réfute tous les sophismes des convertisseurs à contrainte, & l'apologie que St. Augustin a faite des persécutions. C'est donc un livre écrit dans l'urgence, mais qui affronte aussi l'événement dans sa dimension universelle : il s'agit, en fait, de l'une des rares tentatives historiques de fonder philosophiquement la tolérance. Il garde ainsi toute sa virulence face à la menace endémique du fanatisme religieux sous toutes ses formes.
En conséquence, cette édition a eu un double souci : inscrire l'ouvrage dans les débats de son temps, tout en interrogeant la pertinence philosophique de son propos. C'est en effet un texte d'une audace exceptionnelle pour son époque, mais qui n'hésite pas à soulever les difficultés spécifiques de cette «vertu» très particulière. Bayle énonce et cherche à fonder moralement les «droits de la conscience errante», mais s'interroge aussi sur la délicate question de leurs limites. Ainsi ce plaidoyer pour une tolérance absolue s'avère être, en même temps, un des questionnements les plus radicaux sur la nature du fait religieux et de ses dérives quasi inévitables.
Les trois dialogues qui composent Rousseau juge de Jean-Jacques se situent à l'extrême de ce qui pouvait passer pour de la littérature au XVIIIe siècle, texte surprenant pour les défenseurs comme pour les adversaires de Rousseau. Dans une mise en scène pour le moins originale, et comme l'indique le titre, Jean-Jacques se fait juger par « Rousseau » en dialogue avec « le Français. » Vivant relativement isolé (et surveillé) à Paris après son exil, Rousseau les écrit entre 1772 et 1776 sous la forme d'un procès imaginaire intenté contre lui-même et dont il sortirait acquitté, sa réputation désormais sauvée aux yeux de la postérité. Si ses Confessions ont scandalisé (on n'en connaissait alors que la première moitié), ces dialogues apparaissaient comme le dernier cri d'un condamné, sinon comme une preuve certaine de sa folie. Rousseau résolut enfin de confier à Dieu lui-même ce texte extraordinaire en le déposant sur le maître-autel de Notre Dame de Paris
Le prince Charles-Joseph de Ligne (1735-1814) est célèbre et mal connu. Ce n'est pas le moindre paradoxe de ce militaire spirituel, écologiste avant la lettre, auteur, diplomate, l'homme aux "cinq ou six patries". Mais cet Européen unique est enseveli sous les compliments, les jugements qui ressassent inlassablement les mêmes "bons mots", les mêmes anecdotes vraies ou fausses, citent les mêmes textes, souvent mal édités, et qui ne représentent qu'une faible partie de son oeuvre. Le public cultivé mérite mieux. Depuis une douzaine d'années des signes évidents d'un réveil des études "lignistes" se multiplient. L'absence d'une édition critique et scientifique de ses oeuvres majeures ne s'en fait que plus sentir. Dans cette optique, ses mémoires, les fameux Fragments de l'histoire de ma vie jouent un rôle de première importance. Jeroom Vercruysse a pu travailler sur les manuscrits conservés en mains privées et en découvrir d'autres totalement inconnus. Son travail propose un texte enfin sûr, complet et vivant. Un autre personnage que le "prince rose", libertin ou léger de la tradition émerge ici. Ces pages nous offrent ses analyses souvent hardies, toujours piquantes sur son époque, ses contemporains, Versailles, Vienne, Bruxelles, Saint-Pétersbourg, l'Ancien Régime, la Révolution, L'Empire napoléonien. Un homme y confesse avec une rare franchise ses passions, ses doutes, ses douleurs parfois intimes, toujours émouvants.
Avec les Nouveaux éléments de géométrie et la Grammaire générale, la Logique est la pièce maîtresse de l'oeuvre pédagogique de Port-Royal, qui a exercé sur les lettres françaises une influence considérable. Arnauld et Nicole y réalisent une synthèse d'une richesse inégalée entre l'héritage aristotélicien et scolastique, la pensée augustinienne, l'humanisme et la pensée moderne, de Descartes à Gassendi et Pascal, pour forger un art de penser à l'usage de l'honnête homme. À travers les questions de méthode et d'épistémologie, de rhétorique et de morale, la Logique fait écho aux conflits dans lesquels Port-Royal a été embarqué : procès en Sorbonne, crise du formulaire, polémiques avec les protestants, et, de façon moins visible, controverses sur la casuistique et la probabilité. La présente édition suit les métamorphoses du livre, de la première édition (1662) jusqu'à la dernière vérifiée par les auteurs (1683).
Depuis la prise de Constantinople, lempire ottoman ne cesse de fasciner les Occidentaux ; les voyages en terre turque se multiplient et suscitent la rédaction de nombre de récits de voyage, notamment au XVIe siècle. Les Lettres turques dO. G. de Busbecq tiennent une place particulière dans cette production, surtout en raison de lidentité de leur auteur. Busbecq fut lambassadeur de Ferdinand Ier auprès de Soliman le Magnifique de 1554 à 1562 et mena des négociations délicates alors que lAutriche et lEmpire ottoman étaient en guerre. Son récit abonde en informations sur les événements politiques, les actions militaires, sur Soliman lui-même et sur les querelles dynastiques au sein de la famille impériale, mais aussi sur la société turque. Les multiples incidents qui jalonnent ses voyages et son séjour sont loccasion de décrire avec humour les moeurs et les coutumes turques. En choisissant décrire sa relation sous forme de lettres, Busbecq a pu adopter un ton plus intime que le genre, déjà conventionnel, du récit de voyage en pays ottoman ne ly autorisait. Cette caractéristique fut une des raisons dun succès rapide et durable des Lettres turques. Écrites et publiées en latin entre 1581 et 1589, les Lettres turques furent rééditées jusquau XVIIe siècle et traduites depuis dans de nombreuses langues. Cependant, le lecteur francophone ne connaissait les Lettres turques quau travers dune traduction partielle et approximative datant de 1748. La présente traduction comble donc une lacune et invite le lecteur à la redécouverte dune oeuvre majeure pour lhistoire du récit de voyage en terre ottomane.
Entre les derniers sursauts de l'Empire et les monarchies qui tentent désespérément de se survivre, Élisabeth Vigée Le Brun laisse un recueil de ses Souvenirs, à mi-chemin des mémoires et de l'autobiographie, dans lequel elle élabore un ultime autoportrait. Dans une période où les mémoires d'artistes sont encore rares, la longévité du peintre (1755-1842) lui a donné l'occasion d'élaborer un récit de vie à un moment où la représentation de l'identité de l'artiste est en pleine mutation. Élisabeth Vigée Le Brun ne sort pas de l'ombre pour prendre la parole mais s'exprime à partir de sa propre renommée. En Italie, en Autriche, en Russie, en Angleterre, elle est devenue la portraitiste de l'Europe. Le lecteur des Souvenirs se trouve ainsi en présence de mémoires d'une « célébrité » publiés du vivant de leur auteur. Les Souvenirs sont un récit de conquête. Mais à peine la première réputation de l'artiste est-elle établie et sa place institutionnelle assurée, que la Révolution lui en ravit les fruits : tout ou presque est à reconstruire. Sur un fond d'insécurité matérielle, Élisabeth Vigée Le Brun lutte pour retrouver, dans un champ nouveau, un espace pour sa peinture, condition même de sa survie économique. La grâce qui nimbe ce tour de force ne dissimule pas la détermination et la ténacité exceptionnelles de l'artiste. Cette édition se fonde sur l'unique texte cautionné de son vivant par l'artiste. Elle est complétée par les «Conseils sur la peinture du portrait» et par une lettre « sur les bruits » adressée à la princesse Natalia Kourakina.
Texte de poétique classique majeur, plus dense et plus précis que L'Art poétique (1674) de Boileau, les Réflexions sur la poétique ont remarquablement contribué à la récente redécouverte critique du classicisme. C'est leur édition définitive (1684), pour la première fois publiée selon les principes de l'édition critique moderne, qui est présentée ici. On y découvre la synthèse aboutie d'un savant formé dans l'humanisme érudit de la grande tradition lettrée européenne, tourné vers la modernité et conscient de la mutation des savoirs et des sociétés dans la période de crise des années1670-1680, convaincu de l'urgence de penser la littérature de manière à répondre aux défis contemporains. Elle frappe par sa cohérence critique et sa nouveauté : réajustement des notions aristotéliciennes de mimèsis et de fable, révision du caractère inspiré de la création, ébauche d'une psychologie du génie, revalorisation de l'imagination, nouvelle prise en compte des séductions de la parole poétique et de ses effets émotionnels, libération du plaisir littéraire en-dehors de l'emprise théologique et morale des augustiniens. Le classicisme présente de moins en moins de liens avec l'idée romantique d'une doctrine irrémédiablement nécrosée, tandis qu'est mis en relief le dynamisme évolutif de ses capacités de création.
Charles Nodier initie dans la Trilogie écossaise un nouveau genre emprunt d'un exotisme du Nord : le récit de voyage romantique.
En foulant le sol de l'Écosse durant l'été 1821, Nodier allait marquer de son empreinte une époque placée sous le sceau d'un puissant exotisme du Nord et initier un genre : le récit de voyage romantique. Ainsi sa Promenade de Dieppe aux montagnes d'Écosse (1821) forme-t-elle le prologue d'un cycle où les brumes de l'antique Calédonie et de l'Écosse moderne épousent celles de la fiction dans Trilby (1822) et La Fée aux Miettes (1832). Des légendes séculaires du comté d'Argail, d'où surgit l'étrange lutin Trilby, jusqu'aux méandres de la cartographie onirique de Michel le charpentier qui place Glasgow et Greenock au centre d'une nouvelle carte de Tendre, Nodier nous offre mieux qu'une invitation au voyage. C'est bien une conquête du Romantisme, dont il est ici un acteur de tout premier plan, qu'il entend nous faire partager.
C'est à la redécouverte de ces contes de fées qu'invite donc le présent ouvrage, présentant, avec un premier volume de Contes des Fées, l'intégralité des contes et de leurs récits-cadres.
De la fin du règne de Louis XIV à la Révolution française, une exceptionnelle floraison de conteurs et de conteuses s'adonne au conte merveilleux sous toutes ses formes. Mme d'Aulnoy occupe une place remarquable au sein de cette production : elle n'est pas seulement l'initiatrice, dès 1690, de cette vogue qui s'épanouit à la fin du XVIIe siècle. Elle constitue également, par l'ampleur et l'originalité de sa production féerique, l'une des représentantes privilégiées de ce genre. Elle illustre en effet la naissance du conte féminin, terrain d'épanouissement d'une écriture mondaine et galante souvent empreinte de romanesque. Plus largement, c'est au carrefour des cultures orale et écrite, populaire et littéraire, ancienne et moderne que ces contes puisent leur inspiration, leur esthétique, leur poétique, ainsi que leur riche imaginaire.
Les amateurs de féerie ne s'y trompèrent pas : ils plébiscitèrent les vingt cinq contes de fées de Mme d'Aulnoy, dont le succès fut immédiat et durable. Traduits en anglais avant ceux de Perrault, plus souvent réédités, au XVIIIe siècle, que ceux de son confrère, ils furent salués, exploités voire pillés par les conteurs ultérieurs. Mais ils subirent aussi le contrecoup d'une double dépossession : la relégation aux rayons souvent dépréciés de la littérature enfantine ; et leur récupération par une culture populaire peu soucieuse de leur auteur. C'est à la redécouverte de ces contes de fées qu'invite donc le présent ouvrage, présentant, avec un premier volume de Contes des Fées, l'intégralité des contes et de leurs récits-cadres.
Le Kalevala, aventure cosmique finnoise, cycle épique de 22 800 vers rassemblés par Elias Lönnrot, constitue un poème unique au monde, dont les héros sont puissants non par la violence, mais par la force de leur verbe et par leur connaissance de la nature.
L'aventure cosmique que constitue le Kalevala rassemble la geste de quatre héros : le barde éternel, mage et enchanteur, Vaïnämöinen ; le forgeron Ilmarinen, le marteleur éternel ; le facétieux Lemminkäinen, préposé au bonheur des jeunes filles et à la rencontre du masculin et du féminin ; et enfin Kullervo, enfant prodigieusement doué à sa naissance, puis adolescent abandonné et finissant à la dérive. Ils personnifient les aspirations des peuples finnois à la paix, au respect mutuel, au bien-être et au bonheur de vivre.
Le récit tourne autour du Sampo et de son couvercle doré, objets magiques qui assurent prospérité et vie sans souci à toute la communauté, qui ne peuvent être confisqués au seul profit de quelques-uns.
Deux traits frappent dans la société décrite par le Kalevala : une société non urbanisée et non hiérarchisée ; un univers à la fois simple et grandiose où l'homme vit des relations fraternelles avec son environnement terrestre. Tous les héros sont des magiciens ; leur magie est claire, positive ; elle guérit, elle construit, elle redonne vie aux corps déchiquetés.
En 1831, une figure centrale de l'édition parisienne, le libraire Ladvocat, est au bord de la faillite. Tous les hommes de lettres du temps s'engagent à lui venir en aide en lui donnant deux textes sur Paris. C'est ainsi que naît la formidable aventure éditoriale de Paris ou le Livre des Cent-et-un, publié en quinze volumes entre 1831 et 1834, et jamais réédité depuis.
Ce Tableau de Paris donne à lire des études de mours dont le ton, le genre et le sujet sont aussi divers que les auteurs. Il s'agit d'inconnus, de débutants en voie de reconnaissance (Sue, Dumas) comme des plus célèbres écrivains du siècle : Hugo, Chateaubriand ou Lamartine. Les « cent-et-un » croquent les journalistes, les grisettes et les flâneurs qui hantent le Palais-Royal, les cabinets de lecture ou les passages parisiens. Ils dessinent ainsi les contours d'un Paris tourmenté, qui incarne le passage du temps en donnant à lire dans ses rues et ses monuments les innombrables secousses historiques qui l'agitent.
L'anthologie propose une sélection annotée des textes les plus intéressants de cet ouvrage fondateur de la littérature panoramique.
