• Français Klimt

    Gilles Néret

    La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.

    Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.

    Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise.

    Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.

  • Souvent incompris, Pierre-Auguste Renoir n'en demeure pas moins l'un des peintres les plus appréciés de l'Histoire, sûrement grâce à la chaleur, à la tendresse et à la joie de vivre qui émanent de ses tableaux. Avec sa chronologie complète, sa bibliographie, et ses superbes reproductions couleur, ses photos et ses croquis illustrant la vie et l'oeuvre de Renoir, ce livre est une référence incontournable sur ce grand maître de la peinture.

    1 autre édition :

  • Français Manet

    Gilles Néret

    Vilipendé sa vie durant pour son style comme pour le sujet de ses oeuvres, le peintre français Édouard Manet (1832-1883) est aujourd'hui reconnu comme une figure incontournable de l'histoire de l'art, ayant fait le lien entre réalisme et impressionnisme.

    Dans son oeuvre, Manet utilisa la peinture pour représenter des scènes étonnamment modernes, inspirées du monde qui l'entourait, notamment de la vie urbaine parisienne. Il sut capter les jardins de la ville, ses parcs et ses cabarets, souvent attiré par le frisson des bas-fonds ou se délectant d'un sujet provocant. À Paris, le Salon rejeta son Déjeuner sur l'herbe mettant en scène une femme nue entourée d'hommes habillés, tandis que la pose ouvertement décomplexée et le regard plein de défiance de la prostituée dans Olympia, réinvention éminemment moderne de la Vénus d'Urbin du Titien, fit scandale.

    À travers de magnifiques illustrations, ce livre présente l'oeuvre de Manet et son style unique, associant réalisme, impressionnisme et références aux grands maîtres de la peinture, ce style qui ouvrira un nouveau champ plein d'audace pour les générations modernistes à venir.

  • Français Rubens

    Gilles Néret

    Peintre des batailles spectaculaires et des mythes érotiques, Pierre Paul Rubens fut une figure majeure du monde de l'art au XVIe siècle et un chantre des couleurs, du mouvement et de la sensualité baroques. Son oeuvre prolifique se décline en retables, portraits, paysages, toiles historiques, sans oublier ses célèbres nus bien en chair.

  • Français Michel-Ange

    Gilles Néret

    Né en Italie, Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475-1564) fut un homme de la Renaissance à la fois tourmenté, prodigieusement doué et craignant Dieu. Ses nombreuses prouesses en peinture, sculpture, architecture, poésie et mécanique unissent corps, esprit et inspiration divine dans des chefs-d'oeuvre visionnaires qui ont bouleversé à jamais l'histoire de l'art. Giorgio Vasari, biographe renommé, le considérait comme l'apothéose de la Renaissance. Ses contemporains le surnommaient simplement «Il Divino» («Le Divin»).

    Introduction essentielle à Michel-Ange, cet ouvrage aborde tous ses immenses chefs-d'oeuvre sans oublier ses autres créations. À travers de nombreuses illustrations vivantes et des textes accessibles, on découvre l'extraordinaire habilité de l'artiste à la figuration et sa célèbre «terribilità», style grandiloquent et monumental à travers lequel les drames humains et bibliques sont représentés avec ferveur et démesure. Au fil des lieux de pouvoir de la Renaissance italienne sont rappelées ses plus grandes commandes artistiques, ainsi que sa capacité phénoménale à imaginer des compositions, qu'il s'agisse de la fameuse bibliothèque des Médicis à Florence ou de la sublime voûte de la chapelle Sixtine (1508-1512), d'une superficie de 500 mètres carré.

    De l'imposant David à la douloureuse mais fervente Pietà, en passant par la scène expressive du Jugement dernier de la chapelle Sixtine, ce livre de référence offre une présentation claire et synthétique d'un véritable génie de la Renaissance et de l'une des oeuvres les plus célèbres du monde.

  • Français De Lempicka

    Gilles Néret

    Tamara de Lempicka (1896-1980) a mené sa vie d'artiste à cent à l'heure. Attirée par le glamour et la célébrité autant que par la vie de bohème Rive Gauche, elle quitta sa Russie natale après la révolution bolchevique et se lança à la conquête de Paris. Son oeuvre prolifique et monumentale demeure l'un des témoignages visuels les plus vivants de l'Art déco des années 1920.

    Le style de Tamara déploie une palette restreinte de couleurs froides, des formes post-cubistes pour une représentation à la fois néo-classique et voluptueuse. Ses sujets, souvent des nus, sont autant sensuels que distants et puissants. Rehaussés d'une lumière et de matières aguichantes, ils s'imposent à nous tout en détournant le regard de façon caractéristique, dans une superbe arrogance. De Lempicka a représenté aussi bien des personnages de la haute société que réalisé des portraits progressistes de femmes émancipées et homosexuelles, à l'instar du Portrait de Suzy Solidor. Dans le même temps, le célèbre Autoportrait dans la Bugatti verte fut commandée pour la couverture du magazine allemand Die Dame et devint l'incarnation de la vitesse, de la sophistication et de l'indépendance féminine.

    À travers certains des plus beaux et plus fascinants portraits de De Lempicka, cette introduction explore le répertoire visuel unique de cette artiste et sa place privilégiée dans les annales de l'art de l'entre-deux-guerres, mais aussi dans l'histoire des artistes féminines et dans notre imaginaire collectif des Années folles.

  • Français Matisse ; cut-outs

    Gilles Néret

    L'art du peindre aux ciseaux.
    Comment Matisse finit sa vie dans un tourbillon de couleurs, de formes et de motifs.

    Henri Matisse (1869-1954) a toujours eu un esprit combatif. Malgré son cancer diagnostiqué en 1941, en dépit de sa faiblesse croissante et de son fauteuil roulant qu'il ne pouvait quitter, cet irréductible artiste français n'a jamais interrompu sa quête artistique ni cessé de créer. Débutant ce qu'il nommait une « seconde vie », il entama une période remarquable de production de collages, découpant et assemblant des morceaux de papier coloré pour former des « gouaches découpées » peuplées d'oiseaux, de plantes, de fleurs et de formes féminines.

    Soulignant à merveille couleurs et contrastes, la technique du découpage permet des lignes géométriques et des juxtapositions dynamiques. Dans des oeuvres telles que La Chute d'Icare (1943), Nu bleu (1952), L'Escargot (1953) et La Gerbe (1953), formes pures et structures élémentaires renforcent une composition qui dépasse le simple aspect décoratif de créations finement assemblées et débordant d'une joie de vivre contagieuse. Au fur et à mesure de l'avancée de son travail, l'excitation de Matisse devant ces résultats le poussa à imaginer des oeuvres toujours plus grandes, ses premiers travaux, de modestes dimensions, devenant de véritables fresques murales.

    Sentant venir sa fin, Matisse révéla le secret de ces pièces à la fois simples et brillantes : « Ce que j'ai créé après [ma maladie], c'est moi-même que cela représente, libre et détaché... ». Cette introduction de référence revisite ainsi ce joyeux dernier chapitre de la longue et prodigieuse carrière de Matisse, révélant comment les papiers découpés résument ses années passées à explorer toutes les possibilités offertes par la composition, les formes et les couleurs.

  • Français Dalí

    Gilles Néret

    Peintre, sculpteur, écrivain, réalisateur et homme de spectacle, Salvador Dalí (1904-1989) fut un des plus grands exhibitionnistes et excentriques du vingtième siècle. Il fut aussi un des premiers artistes à appliquer les théories de la psychanalyse freudienne à l'art, et devint célèbre avec ses oeuvres surréalistes, comme les montres molles ou le téléphone homard, qui sont aujourd'hui des jalons de l'entreprise surréaliste et du modernisme en général.

    Dalí décrivait fréquemment ses peintures comme « des photographies de rêves peints à la main ». La tension captivante qui en émane réside dans la représentation précise d'éléments bizarres et dans ses compositions incongrues. Comme l'expliquait lui-même Dalí, il peignait avec « la plus impérialiste rage de précision », mais seulement « pour systématiser la confusion et ainsi participer à discréditer totalement le monde de la réalité. » Révolutionnant le rôle de l'artiste, le moustachu Dalí eut aussi l'intuition d'exhiber un personnage controversé dans l'arène publique et de créer à travers la gravure, la mode, la publicité, l'écriture et le cinéma une oeuvre qui pouvait être consommée et pas seulement contemplée au mur d'un musée.

    Ce livre explore à la fois la peinture et la personnalité de Dalí, en présentant ses aptitudes techniques, ses compositions provocatrices et ses thèmes fétiches, souvent ardus : la mort, le pourrissement et l'érotisme.

  • Français Malevitch

    Gilles Néret

    Après avoir flirté avec le réalisme, l'impressionnisme et le symbolisme, Kasimir Malevitch (1878-1935), né à Kiev, trouve sa voie dans la dissolution des figures et des paysages représentés littéralement en une abstraction pure et chargée d'émotion. En 1915, il crée ce que bon nombre saluent comme la première et ultime oeuvre abstraite : Carré noir (1915), un quadrilatère noir sur un fond blanc, qualifié de « point zéro de la peinture », qui marque un moment fondateur pour l'art moderne et abstrait.

    Cet ouvrage retrace les innovations et les idées majeures de Malevitch en plaçant ses oeuvres révolutionnaires dans le contexte de l'avant-garde russe et mondiale. Au fil des reproductions fidèles et intenses de ses oeuvres, on explore sa théorie du suprématisme, qui repose sur une abstraction géométrique drastique et la « suprématie de la sensation pure dans l'art créatif », ainsi que son rôle crucial dans l'élaboration du constructivisme et son intérêt pour la philosophie, la littérature, l'art populaire russe... et la quatrième dimension.

  • Erotica universalis

    Gilles Néret

    Recueil d'oeuvres d'art sur le thème de l'érotisme de l'Antiquité au XXe siècle.

  • À quatre-vingts ans, peintre et sculpteur accompli, Matisse se sert de la couleur comme un sculpteur se sert de la pierre. Son audace unique fascine le monde de l'art. Ses improvisations en rythme et en couleur, créées à partir de gouaches découpées ont marqué le sommet de son ambition artistique: une synthèse parfaite de la couleur et de la ligne.

  • Après s'être frotté au fauvisme et au cubisme, le peintre et sculpteur russe Kasimir Malevich (1878-1935) fonde le suprématisme et devient une figure de proue de l'avant-garde et un pionnier du style non-objectif.

  • Cette toute nouvelle édition en classique TASCHEN, réalisée à partir de notre format XL d'origine récompensé par la critique, retrace le contexte historique des gouaches découpées de Matisse, depuis leurs origines, lors du voyage à Tahiti de l'artiste en 1930, jusqu'aux dernières années de Matisse à Nice. Elle comprend de nombreuses photos de l'artiste, dont quelques clichés en couleur, très rares, signés Henri Cartier-Bresson, Brassaï ou du réalisateur Murnau, ainsi que des textes de Matisse, Picasso, de l'éditeur E. Tériade, des poètes Louis Aragon, Henri Michaux et Pierre Reverdy, et du beau-fils de Matisse, Georges Duthuit.

    À travers leur simplicité trompeuse, ces découpages ont à la fois atteint une qualité sculpturale et amorcé une forme d'abstraction minimaliste qui a profondément influencé des générations d'artistes ultérieures. Exubérantes, ces oeuvres aux mille nuances, souvent très grandes, forment un pilier de l'art du XXe siècle et s'avèrent, quand on les contemple aujourd'hui, tout aussi audacieuses et novatrices que du vivant de Matisse.

  • Depuis l'aube des temps, depuis Adam et Ève, les artistes de toutes les époques, qu'il s'agisse des Égyptiens, des Grecs ou des Romains de l'Antiquité, ou de grands noms plus proches de nous comme Rembrandt, Courbet, Degas ou Picasso, ont laissé s'exprimer leurs fantasmes, leurs obsessions et leur libido dans des oeuvres que les censeurs ont pris bien soin de cacher au public. Pour Erotica, nous avons quitté les royaumes souterrains des musées pour plonger dans l'univers de nos bibliothèques nationales ou privées. C'est là que l'on découvre que la plupart de nos grands auteurs, comme Ovide, l'Arétin, Voltaire, Verlaine ou Maupassant ont aussi composé des textes érotiques à la limite de l'indécence. Et les grands artistes comme Boucher, Fragonard, Dali ou Matisse ne sont pas demeurés en reste pour proposer les illustrations idéales à ces livres coquins. Pour cette édition spéciale anniversaire, nous avons sélectionné les meilleures pièces de notre collection Erotica Universalis. Un banquet pour l'imagination et un vrai régal pour les yeux!

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