La mathématique théâtrale de Wajdi Mouawad, somptueuse, tragique, géopoétique et percutante, nous entraîne dans le carrousel à grand tournoiement des vies possibles de Talyani Waqar Malik, alter ego de l'auteur : neurochirurgien italien, chauffeur de taxi parisien, peintre québécois, condamné à mort texan, boutiquier de jeans libanais. Cinq destinées en autant de lieux différents, mais lestement croisées en un même espace-temps halluciné.
En 2023, pour la première fois, la spécialité théâtre des classes de terminale propose d'étudier ce qu'est le travail de l'acteur. Le choix s'est porté sur le parcours et certains rôles de l'actrice de la Comédie-Française, Dominique Blanc. Une plongée dans trois rôles emblématiques de la comédienne : Suzanne dans "Le Mariage de Figaro" de Beaumarchais mis en scène par Jean-Pierre Vincent, "Phèdre" de Racine dans la mise en scène de Patrice Chéreau et six rôles qu'elle tient dans "Angels in America" de Tony Kushner mis en scène par Arnaud Desplechin à la Comédie-Française.
En 1964, Peter Weiss suit le procès de Francfort, où comparaissent plusieurs responsables du fonctionnement du camp d'extermination d'Auschwitz : des officiers SS mais aussi des Kapos, détenus affectés par les nazis à la surveillance et aux sanctions disciplinaires envers les autres prisonniers. Très largement médiatisé, ce procès suscita de vives controverses concernant la responsabilité des prévenus et leur complicité pour meurtre. Nombreux sont ceux qui nièrent leur responsabilité, estimant avoir été les rouages d'un système de guerre, ne faisant là que « obéir aux ordres ».
À travers le strict exposé des faits, Peter Weiss raconte l'organisation criminelle dans les moindres rouages de cette machine de mort administrée par le Reich, de la déportation à l'élimination des détenus, par privations, épidémies, expériences cliniques mortelles, injections létales, fusillades, empoisonnement au gaz Zyklon B et crémation dans les fours. Évitant l'écueil de la reconstitution historique, Weiss livre un discours dépouillé à partir des témoignages et des articles de presse, radicalisant le geste du théâtre documentaire.
Il y a un siècle naissait le grand dramaturge libertaire Armand Gatti (1924-2017).
À l'occasion de cet anniversaire, Olivier Neveux revient sur les apports du théâtre de Gatti, théâtre d'émancipation au service de celles et ceux d'en bas.
Pièce en six actes et douze tableaux, L'oiseau Bleu nous révèle une autre facette de l'oeuvre de Maeterlinck, lumineuse et onirique : deux enfants, Tyltyl et Mytyl, partent en quête de l'Oiseau Bleu, seule créature pouvant guérir une petite fille, tandis qu'autour d'eux s'incarnent les objets et les êtres. Le Pain, le Sucre, Le Lait, La Chatte et d'autres s'animent et emplissent le conte de féérie et de signification, car derrière les péripéties des jumeaux se cache une quête, celle du bonheur véritable, et un sens philosophique profond tandis que se déploie, furtive mais bien présente, toute la sagesse de l'auteur. Loin de la langueur, du pessimisme, on sent poindre dans L'oiseau Bleu tout le plaisir que Maeterlinck a pu avoir en imaginant ce monde vivant et plein de sens.
Conçu comme un manuel de mise en pratique qui accompagne au quotidien le travail des actrices et acteurs professionnels ou en formation, cet ouvrage propose une réappropriation du métier basée sur l'étude et l'entraînement réguliers. Il s'agit ici de confronter l'art du jeu à d'autres disciplines artistiques (danse, chant polyphonique, rap, trapèze, clown, photographie, etc.) mais aussi sportives (arts martiaux, tir sportif, handball, etc.) ou scientifiques (éthologie, neurosciences, etc.).
En pratiquant en débutantes le karaté, par exemple, les actrices-chercheuses en dégagent les techniques et les connaissances spécifiques qui permettent d'aborder le conflit en connaissance de cause, puis les traduisent en protocoles de jeu, directement applicables à une scène.
Suivant un procédé rigoureux qui s'inspire de la méthode scientifique (observations, expériences, raisonnements), ces protocoles sont testés par des praticiennes et praticiens de niveaux et écoles différentes, et leurs effets sont explicités et partagés tant de l'intérieur de l'action que de l'extérieur.
Organisé en livrets thématiques, l'ouvrage est introduit par un mode d'emploi et structuré en trois types de chapitres (les pratiques, les outils et les concepts) qui reflètent des modalités de mise au travail différentes. Chaque exercice est décrit de façon exhaustive et détaillée, afin de permettre aux actrices et acteurs de tout niveau de le réaliser aussi précisément que possible.
Ce livre est le fruit du travail de recherche mené depuis dix ans au sein de la Fabrique autonome des acteurs, qui s'appuie sur la transdisciplinarité comme méthode fondamentale. Ce premier tome réunit les trois premiers livrets d'une collection de dix.
Conçu comme un manuel de mise en pratique qui accompagne au quotidien le travail des actrices et des acteurs professionnels ou en formation, ce second tome de Jouer propose une réappropriation du métier basée sur l'étude et l'entraînement réguliers. Il s'agit ici de confronter l'art du jeu à d'autres disciplines artistiques (danse, chant polyphonique, rap, trapèze, clown, photographie, etc.) mais aussi sportives (arts martiaux, tir sportif, handball, etc.) ou scientifiques (éthologie, neurosciences, etc.). Suivant un procédé rigoureux qui s'inspire de la méthode scientifique (observations, expériences, raisonnements), les protocoles ont été testés par des praticiennes et praticiens de niveaux et d'écoles différentes, et leurs effets sont explicités et partagés tant de l'intérieur de l'action que de l'extérieur.
Organisé en deux livrets thématiques, ce second tome propose de nouvelles pratiques et modalités de mise au travail pour les actrices et les acteurs. Chaque exercice est décrit de façon exhaustive et détaillée, afin de permettre à chacun, peu importe son niveau, de le réaliser aussi précisément que possible. Ce livre est le fruit du travail de recherche mené depuis dix ans au sein de la Fabrique autonome des acteurs, qui s'appuie sur la transdisciplinarité comme méthode fondamentale.
Isabelle
Dorine, je suis malheureuse
Pour le moins autant qu'amoureuse :
Cléandre meurt pour moi d'amour,
Et je lui rends bien le retour,
Mais cependant un père avare,
Par une lésine barbare,
Me défend l'aimable plaisir
De l'entretenir à loisir...
Une adaptation théâtrale du roman de Jules Vernes où l'on retrouve le professeur Aronnax, son serviteur Conseil, l'harponneur Ned Land et le capitaine Nemo. Une façon originale de faire découvrir aux jeunes lecteurs les personnages et l'univers fantastique de cet auteur du XIXe siècle.
Pour la plupart des gens de théâtre, Stanislavski est comme un saint, un héros, un sage ou un fou.Dans ce livre, Stanislavski résume l'essentiel de son expérience et de son enseignement : pour lui, il s'agit avant tout d'incarner sur scène un personnage au lieu de se contenter de le revivre, démarche qui suppose le contrôle et la critique de soi, grâce à l'usage équilibré d'une technique tant spirituelle que corporelle. Vie intérieure et vie extérieure doivent se soutenir mutuellement afin de libérer totalement l'acteur.Loin d'être asservi, il devient alors créateur, jouant à volonté de son instrument, et trouve celui de sa propre vie.
L'instrument du comédien est le plus difficile à apprivoiser car il s'agit de son propre corps et de sa sensibilité.Avant Michael Chekhov, il était aisé d'apprendre la diction mais cet élément du jeu dramatique n'avait jamais été accompagné d'un support concret. Être acteur a révolutionné la technique du comédien. Il est le seul ouvrage qui expose ce qu'il y a de plus important dans l'art dramatique : le moyen de maîtriser le Mécanisme de Création.Si l'on peut dire que Chekhov est le prolongement de Stanislavski, il a surtout considérablement actualisé et adapté son enseignement pour le rendre plus accessible. Le théâtre et le cinéma américains doivent à Michael Chekhov le plus clair de leur art.
Tout le monde sait ce qu'est le théâtre, du moins tout le monde en a une idée.
Mais sous cette évidence se lovent des réalités complexes. Le théâtre est un ensemble d'oeuvres, un répertoire, c'est aussi une pratique du spectacle, dont les oeuvres écrites ne sont qu'une part ; ce sont également des lieux, plus ou moins spécialisés, et des personnes, elles-mêmes plus ou moins spécialistes ;
Parfois, enfin, c'est un rituel, qui peut s'inscrire dans des pratiques religieuses et politiques...
Cet ouvrage retrace l'histoire du théâtre et de sa place dans notre société depuis ses origines gréco-romaines, jusqu'à ses formes les plus contemporaines.
Acteur, scénariste, metteur en scène de théâtre et d'opéra, réalisateur, Patrice Chéreau (1944-2013) a joué un rôle majeur sur la scène artistique et culturelle européenne durant plus de quarante ans. Ce nouvel opus de la série consacrée à ses notes de travail revient sur ses films «Judith Therpauve», «L'homme blessé», sa mise en scène de «Peer Gynt» de Ibsen et tous les projets menés entre 1977 et 1981. Une sélection de notes, restituées chronologiquement, dans lesquelles le metteur en scène pense son travail, cherche son geste artistique et évoque ses collaborations.
Un jour et une nuit, rythmés de plusieurs événements. Un cortège de personnes sans nom la plupart du temps défilent sur un banc, près d'un cimetière. Seuls « un moi » (Aksle) et « un autre moi » (David), un couple séparé, suite au départ inexpliqué de Aksle, sont nommés. Depuis, « un autre moi » et « une mère » attendent désespérément son retour, tuent le temps en invitant des gens à la maison pour faire la fêter. Sur le banc, près du cimetière, « une ex-femme » implore « un ex-mari » de se réunir à nouveau et oublier le passé, « une mère » donne rendez-vous à « une soeur » et « un frère », pour inhumer près du lac son défunt mari, selon ses dernières volontés. Sur un banc, près du cimetière, ils et elles se retrouvent, se rencontrent, s'importunent, se consolent, oublient et s'accrochent au temps qui passe. Souvenir de Rêve d'automne de Jon Fosse, la dernière pièce de Arne Lygre donnent voix aux fantômes du présent, avec cruauté et une certaine désinvolture, pour conjurer l'oubli, dans une langue très quotidienne
Moving Earths et Inside constituent les deux premiers volets de la trilogie terrestre, une série de trois conférences-performances coécrites par Frédérique Aït-Touati et Bruno Latour. La triologie tente de remettre en question nos idées reçues concernant la planète, cette Terre que nous habitons comme nous marchons dessus, presque sans y penser.
Inside propose une expérience de pensée : le lecteur-spectateur est invité à se tenir non pas sur le Globe, mais dans cette « zone critique » dont parlent les scientifiques. Pour tenter de comprendre ce que signifie « vivre dedans », la conférence-performance tente une série de tests qui combinent les outils de la modélisation et de la simulation, soit deux manières de se rendre sensibles : par la science et par la scène.
Entre philosophie et théâtre, Moving Earths invite le lecteur à tester l'hypothèse d'un parallèle entre l'époque de la révolution astronomique et la nôtre. Sommes-nous en train de vivre une transformation du monde aussi profonde et radicale que celle de l'époque de Galilée ? Une chose est sûre : nous ne savons plus exactement sur quelle planète nous vivons, ni comment la décrire. En partant du travail du chimiste anglais James Lovelock et de la biologiste américaine Lynn Margulis, les auteurs interrogent un nouveau rapport au terrestre.
Ces deux pièces ont été créées au Théâtre Nanterre-Amandiers en novembre 2016 et décembre 2019, puis jouées sur de nombreuses scènes européennes et internationales (Théâtre de l'Odéon à Paris, Martin Gropius Bau à Berlin, Théâtre Benno-Besson en Suisse, Signature Theatre à New York, Biennale de Taipei).
Deux entretiens avec les auteurs complèteront les textes. L'ouvrage sera richement illustré, et la mise en page rejouera la mise en scène des textes dans l'espace du livre.
Vincenzo Mazza revient sur l'extraordinaire parcours artistique et engagé de Jacques Copeau, qui a inspiré toute une génération d'artistes contemporains (Jean-Louis Barrault, Jean Vilar, Jacques Lecoq, Ariane Mnouchkine). Ce recueil de textes vient pallier une méconnaissance du Copeau metteur en scène et entrepreneur culturel engagé pour tenter de lui rendre la reconnaissance qu'il mérite. Son petit format, sa brièveté et sa construction thématique ont été pensés pour en faciliter l'accès sur des notions essentielles.
Ce livre fut une révolution.Reconsidération totale de l'acteur, il propose une méthode quotidienne de travail d'une efficacité reconnue mondialement.Créateur du Théâtre d'Art de Moscou, Constantin Stanislavski a été le premier dans le monde à offrir une leçon fondamentale de l'art dramatique et de celui du comédien. C'est à lui que l'on doit le nouveau «théâtre réaliste».Rouché, Antoine, Copeau, Dullin, Jouvet - pour ne citer qu'eux - ont profité de son enseignement.Le théâtre et le cinéma américains se sont largement inspirés de ses principes. Son élève, Michael Chekhov, neveu du célèbre écrivain, a créé l'Actors Studio, de réputation mondiale.Stanislavski a laissé une trace ineffaçable dans l'art dramatique de tous les pays.
Caroline Guiela Nguyen est auteure et metteuse en scène. Dans ce livre d'entretiens menés par Aurélie Charon, elle revient sur son enfance, sa formation au Théâtre national de Strasbourg ainsi que sur le travail qu'elle mène avec sa compagnie : démocratiser le théâtre, utiliser la fiction pour parler du réel, donner à voir d'autres visages pour créer un nouvel imaginaire collectif, écouter le monde et ses langues. Chambre d'écho des hommes et du monde, son théâtre est un théâtre cardiaque. Se dessinent ici une expérience unique et le portrait d'une artiste en devenir qui entre avec brio au catalogue d'Actes Sud.
Convaincu que le capitalisme, forme sociétale dominante en Occident, et son humanisme cynique sont irrémédiablement voués au déclin, Milo Rau propose un théâtre novateur qui s'affranchit des codes postmodernes. Ses créations théâtrales s'emploient à créer une confrontation avec la réalité sociohistorique, afin d'y mener des interventions utopiques propres à susciter l'empathie. Il met en oeuvre un processus de réalisation bien particulier, une sorte de re-présentification (de grands procès de l'histoire et de toutes formes de violences politiques), allant bien au-delà de la simple reconstitution historique, pour toucher au réalisme et à l'intime.
Comment pouvons-nous en tant qu'individus écrire l'histoire ? « Quels sont les moyens, oui, les moyens d'action propres au dispositif d'expérimentation du théâtre documentaire et du théâtre de fiction pour créer de la compassion ou pour la refléter, pour atteindre peut-être un niveau supérieur, politique - celui de la solidarité. »
En 1660, Corneille donnait une édition en trois volumes de son Théâtre complet, qui faisait de son oeuvre un monument. Dès lors, faut-il lire les Trois Discours sur le poème dramatique, qui ouvrent chacun des volumes, comme une manière de testament poétique délivré par un dramaturge vieillissant, qui quitterait ainsi la scène en prenant congé de son public ?Loin de n'offrir qu'un commentaire de ses pièces, Corneille entendait proposer non seulement une poétique à l'usage des dramaturges de son temps, mais encore renouveler le geste inaugural de la théorie littéraire.Lisons donc ces Discours comme s'il s'agissait de la Poétique d'Aristote, rédigée par Sophocle et donnée par lui en préface d'Oedipe Roi.Dossier : 1. Le statut de la fiction2. Corneille et les règles : la Querelle du Cid3. Les genres dramatiques4. Fidélité et invention5. L'unification dynamique de l'action6. La liaison des scènes : les unités de temps et de lieu7. Les caractères8. Les formes de la «diction»9. Les effets du poème dramatique.
Le discours venu du théâtre s'attache souvent à vanter la vertu d'un art qui s'excepterait de l'industrie de masse pour offrir un authentique rapport à ce que la culture compte de plus savant. Par ailleurs, ce même discours s'est beaucoup attardé ces dernières décennies à établir les palmarès du théâtre politique, puisqu'il semblait entendu que la politique elle-même avait atteint un point historique terminal.
A la différence de ces deux grandes veines morales, S'adresser à tous entend penser le théâtre comme lieu d'une parole privilégiée et mettre au jour la profonde diversité des investissements historiques qui s'y sont succédé depuis la Révolution. Il analyse l'évolution des catégories qui l'ont déterminé, en lien constant avec les évolutions globales de l'industrie culturelle : comment la manière dont le théâtre organise son rapport aux notions de "politique" , de "peuple" , de "populaire" , de "public" définit sa réalité propre tout en enregistrant ce qui se joue dans le champ culturel en son ensemble.
Car, si le théâtre après la Révolution française entretient une relation complexe à la notion d'art, il n'existe que directement branché sur le concept de culture qui lui confère sa respiration moderne. S'adresser à tous historicise les attentes qui le structurent, dégage les caractéristiques de sa séquence contemporaine et renouvelle de manière matérialiste l'approche théorique de cet art. Dans cet essai à l'écriture ramassée, dense, rythmée, Diane Scott reprend le flambeau de la Théorie critique en matière de culture.
Funeste commémoration de la grande peste qui frappa Marseille en 1720, un nouveau virus se propage sur la planète. C'est sur la première, qui décima sa ville natale au xviiie siècle, qu'Antonin Artaud écrivait en 1934. Pourtant, relu au prisme de l'actuel contexte épidémique, c'est de notre civilisation vacillante que le texte de ce génial insurgé semble tracer le tableau.Pour celui dont l'oeuvre entier navigue entre surréalisme et folie, la peste est le signe d'un désordre plus vaste que l'enchevêtrement des corps putréfiés. Comme le théâtre déborde la scène, la peste dépasse le microbe. La peste, comme le théâtre, est le temps de la démesure ; des forces et des possibilités se libèrent, qui nous arrachent collectivement à l'inertie et font tomber les masques.
Puissante, visionnaire, la prose d'Artaud vient interroger en creux le devenir de nos sociétés moribondes ; notre devenir.
En mettant à nu nos fragilités et nos errements, la pandémie actuelle aura-t-elle une vertu cathartique qui « nous rendra à tous l'équivalent naturel et magique des dogmes auxquels nous ne croyons plus » ?
Arise, arise est l'unique pièce de théâtre écrite par le poète Louis Zukofsky. Ine´dite en langue française, elle a été publie´e une première fois en 1962 dans la revue Kulture, puis reprise en volume (Grossman Publishers) en 1973. Elle a été jouée une seule fois, à New-York, en 1965.
Cette singulière proposition pour la scène de Zukofsky se distingue tant sur le plan formel de l'écriture que de la recherche d'une modernité théâtrale. Contemporaine de la rédaction de son magnum opus « A », Arise, arise s'apparente à une scène expérimentale intriquant les fils politiques et poétiques. Une continuation de la poésie par d'autres moyens, qui renouvelle la compréhension de l'une des oeuvres les plus influentes du XXe siècle.
Très présente dans le Journal de Raymond Queneau où il y fait allusion à de nombreuses reprises comme à un travail de la plus haute importance, cette pièce inachevée de 1940 se présente comme une fable biblique dramatisée. Sont en scène quatre anges déchus et trois archanges au moment de la création de l'homme... En rival du créateur une trinité angélique et maudite (Lucifer, le Diable et Satan) figure unique composée de trois personnages se voit assistée de l'énigmatique Monsieur Phosphore, en retrait, porteur de lumière, voué à l'humanité et à la réflexion. Raymond Queneau vient de rompre avec Breton et le surréalisme et cette image de la Création enrobée de mythologie annonce autant l'académie Goncourt que le collège de 'Pataphysique...
